A Lollypop or a Bullet - Tome 2

Nagisa Yamada est une collégienne vivant dans une petite ville de campagne. Depuis que son père est mort et que son frère vit reclus chez elle et leur mère, elle n’a qu’une seule hâte : celle de pouvoir travailler, gagner de l’argent et entrer la « vraie vie », afin de soulager et d’aider sa famille. Son quotidien et sa vision de l’existence sont bousculés par l’arrivée d’une nouvelle élève dans sa classe : Mokuzu Umino. Que cache donc cette jeune fille derrière ses histoires abracadabrantes et son attitude un peu prétentieuse ? C’est en se rapprochant d’elle que Nagisa va peu à peu le découvrir…

En deux volumes, Iqura Sugimoto adapte un roman de Kazuki Sakuraba et nous livre un récit aux multiples facettes. Si le cœur de A Lollypop or a Bullet est l’amitié entre Nagisa et Mokuzu, l’œuvre évolue peu à peu vers un thriller étouffant, le tout sur un fond constant de chronique sociale. Doté d’un scénario complet, maîtrisé et bien construit, le manga convainc sur chacun des trois axes qu’il développe. Toutefois, son aspect le plus marquant réside certainement dans son atmosphère indécise et inquiétante. En effet, tout au long des pages, règne un délicieux parfum d’incertitude. Alors qu’on ignore pendant longtemps la présence ou non d’un sombre secret à découvrir, de multiples pistes sont esquissées, nous laissant imaginer toutes les hypothèses, des plus terre à terre aux plus fantaisistes. De ce fait, le titre réussit à nous suspendre à ses pages et à nous rendre attentifs aux moindres détails. La lecture n’en est que plus prenante. Elle l’est d’autant plus que notre investissement est récompensé par une intrigue solide et parfaitement exécutée. Celle-ci sait ménager ses effets, nous surprendre, nous secouer et nous émouvoir quand il le faut. Enfin, le suspense demeure jusqu’au bout et va crescendo jusqu’à un final haletant et éprouvant.

Éprouvant, A Lollypop or a Bullet l’est également parce que ses personnages s’avèrent aussi attachants que convaincants. Celles qui sortent le plus du lot et marquent les esprits sont évidemment Nagisa, et plus encore Mokuzu. Jouant sur le sous-entendu et les non-dits, la psychologie est complexe, subtile et travaillée chez elles, mais toujours cohérente, ce qui leur donne une réelle consistance. En outre, le dessin esthétique et sensible d’Iqura Sugimoto leur donne vie et reflète leur fragilité. Couplé à la dureté du récit, le portrait saisissant des deux adolescentes contribue à toute l’émotion que constitue la lecture du manga. En effet, nos deux héroïnes ne sont pas épargnées par la vie et, pris d’affection pour elles, c’est de plein fouet que l’on reçoit leurs difficultés et leurs tourments. Il en résulte un suspense d’autant plus redoutable qu’on ne désire qu’une chose: les voir toutes les deux heureuses et sereines. De plus, la justesse de Nagisa et de Mokuzu donne davantage de corps à leur amitié et à son évolution progressive. Celle-ci bénéficie notamment de l’alchimie créée par leurs caractères un peu opposés. Enfin, s’il reste longtemps au second plan, le frère de Nagisa, de par ce qu’il représente pour sa sœur, est également une figure essentielle et particulièrement touchante sur la fin. Il illustre autant un malaise social que la volonté et les motivations qui peuvent pousser à en sortir.

Parfaitement construite et maîtrisée, de son scénario à ses personnages, en passant par son dessin, A Lollypop or a Bullet est donc une œuvre de premier choix. S’il y a mille-et-une raisons de se passionner pour le titre, pour ma part, c’est le portrait de ces adolescentes qui m’a ému et remué comme rarement. Cette lecture unique, un peu éprouvante et diablement passionnante est très clairement un de mes temps forts de 2011.

Le Chien Gardien d'Étoiles

« Happy », c’est le nom que donne la petite Miku au chien qu’elle trouve et recueille. Bien accueilli, puis choyé les premières années, l’animal noue notamment une relation privilégiée, construite autour ses promenades quotidiennes, avec le père de famille. Au fil des années, Happy assiste à l’évolution, et surtout à la dégradation des rapports entre les parents de Miku. Lorsqu’ils en viennent à se séparer, Happy part, pour son plus grand bonheur, sur la route avec son « Papa ». Mais qu’y a-t-il au terme de leur premier voyage ?

Le Chien Gardien d’Étoiles est le genre de titres qui ne paye vraiment pas de mine. Au premier abord, on se trouve face à un dessin plutôt sommaire, soutenu par une narration pleine de naïveté, assurée par Happy. De plus, le récit va à l’essentiel, sans s’appesantir plus que de raison sur les faits. Il suit son fil de manière naturelle, évitant les complications, longueurs ou accélérations excessives. Ces différentes caractéristiques concourent à donner un aspect un peu enfantin à l’œuvre. Mais derrière ces apparences, cela ne l’empêche pas de dresser un portrait amer de la société moderne. La manière dont ce père de famille perd tout illustre toute la fragilité d’une situation pourtant confortable en apparence. Par un effet de contraste, le regard de son chien, innocent et totalement étranger aux choses de l’homme, accentue encore la cruauté de la destinée de son maître.

C’est certainement dans son extrême simplicité, ainsi que dans le choix de Happy en tant que personnage central, que réside le gros point fort du Chien Gardien d’Étoiles. A l’image de son héros canin, le récit abrite l’émotion la plus pure, la plus authentique et la plus spontanée. Ainsi, sans jamais trop en faire, l’auteur réussit, en plus de nous divertir de fort belle manière, à nous bouleverser. En effet, au fil des pages, on s’attache au couple de personnages constitué du chien et de son maître. Leur parcours et sa chute annoncée n’en sont que plus poignants pour le lecteur, et encore plus à mesure que l’on se rapproche du dénouement. Un peu à part, mais tout aussi mélancolique, le chapitre final colore de mille tournesols cette histoire émouvante, qui reste malgré tout constamment chaleureuse et positive, grâce à la relation sincère et sans arrière-pensée qu’elle décrit.

Grosse surprise et gros coup de cœur pour Le Chien Gardien d’Étoiles. La vive émotion qu’il procure est la garantie pour le titre et ses personnages de rester longtemps dans nos mémoires et de susciter l’envie de le relire encore et toujours, pour se remémorer le dernier voyage de Happy et de « Papa ».

Solanin, c’est avant tout une plongée dans le quotidien de Meiko. Le temps de deux volumes, on vit à ses côtés, comme si nous étions son ombre. On la suit au travail, dans ses sorties diverses ou dans ses moments de désœuvrement. On est au plus près d’elle, au point de partager ses sentiments, ses doutes et même ses sensations. Grâce à l’apport de décors photo-réalistes confondants et d’un groupe de personnages sur lequel Inio Asano s’attarde largement, c’est une réalité, celle de Meiko, qui prend vie sous nos yeux. De son couple avec Taneda aux liens d’amitié qui les unissent avec Crack, Katô et Ai, tout respire le vrai. Les gestes, comportements et réactions illustrent une authenticité qui transpire constamment et se niche dans les moindres détails. Notre lecture n’en est que plus troublante. Même le dessin, qui ne vise pas le réalisme avec ses personnages un peu joufflus et pleins de mimiques expressives, concourt à la dimension unique de la tranche de vie que nous propose l’auteur.

Pour étoffer son petit monde, épaissir ses personnages et leurs relations, Inio Asano a travaillé sur le vécu de chacun d’eux. Sans jamais forcer le trait, il nous fait deviner leur passé et leurs expériences au détour des conversations qu’ils ont entre eux. Le mangaka nous offre également quelques analepses, revenant sur des époques charnières pour ses protagonistes. Il s’agit de moments décisifs, qui les ont conduits à être ce qu’ils sont aujourd’hui. Une rencontre, un déménagement, un nouveau travail… Des événements aussi banals qu’importants à l’échelle d’une vie, qui ne manqueront pas de parler au lecteur et de lui évoquer ses propres expériences. Jamais expédiés, ces épisodes du passé témoignent d’une grande justesse et donnent davantage de corps aux existences des héros de Solanin.

Inio Asano réussit en particulier à traduire l’alchimie qui existe au sein d’un groupe d’amis. Même s’il se focalise principalement sur Meiko, il prend le temps de développer chacun des personnages de son entourage. En fonction de son caractère, chacun d’eux trouve sa place au sein du groupe, de manière naturelle. De ce fait, les moments qu’ils passent ensemble, qu’il s’agisse de soirées ou de rencontres fortuites, mais également leurs plaisanteries, leurs discussions ou les attitudes qu’ils ont les uns envers les autres, apparaissent authentiques, comme des évidences. On a vraiment l’impression de partager un moment unique et précieux au sein d’un vrai groupe d’amis, qui ne tarde pas à devenir le nôtre, l’attachement aux personnages aidant.

Rocchi, le groupe de rock formé par Taneda, Crack et Katô, est l’élément central de cette amitié. C’est autour de lui qu’elle s’est créée et qu’elle s’entretient encore aujourd’hui. Il apporte également une touche musicale à Solanin, même si celle-ci reste au second plan. Malgré les rêves de Taneda et de ses amis, on ne quitte jamais le cadre de l’ordinaire et du vraisemblable. Inio Asano ne fait pas de ses personnages des génies de la musique, mais simplement des passionnés, dont c’est le passe-temps et l’espoir secret. Toutefois, si l’auteur nous rappelle que le talent ou les opportunités de réussir ne sont pas à la portée de tout le monde, cela n’empêche jamais ses personnages d’écrire des chansons, de les jouer avec leurs tripes et d’y faire rejaillir leur vécu. Grâce à cela, les passages musicaux, notamment parce qu’ils accompagnent toujours des moments émotionnels particuliers, sont extrêmement intenses et se vivent pleinement pour le lecteur, comme pour les personnages du manga.

En effet, en plus de symboliser les liens qui unissent les protagonistes, Rocchi prend une dimension particulière au cours de l’histoire, lorsqu’un drame frappe le groupe d’amis. Bouleversant leur quotidien, cet événement vient nous rappeler que la vie n’est pas faite que de jours qui s’écoulent invariablement. Il constitue également une expérience éprouvante, surtout dans un titre aussi réaliste que Solanin, fonctionnant à plein sur l’identification du lecteur. La tragédie frappe sans prévenir et se vit comme si elle nous touchait directement. Pourtant, jamais Inio Asano ne sombre dans les effets faciles ou l’exagération. Tout en retenue, il réussit à nous faire ressentir le vide douloureux causée par une absence, celle-ci apparaissant d’autant plus pesante dans un quotidien et un décor fondamentalement inchangés. Un tel drame, qui survient dans une vie qui pourrait être la nôtre, et ses répercussions sur l’ensemble des personnages n’en sont que plus parlants, et donc difficiles à vivre. Et ils le seront encore plus pour qui a connu un événement similaire. Cette émotion palpable contribue à la couleur unique de Solanin et fait qu’il est impossible de quitter le titre sans lui garder une place au sein de nous.

Au-delà du moment vécu avec Meiko et ses amis, l’expérience précieuse que constitue la lecture de Solanin tient également dans le portrait de la jeunesse qu’il dresse. Qu’est-ce qu’un adulte ? Quand et comment le devient-on ? Peut-on vivre en renonçant à ses rêves ? Comment peut-on se savoir heureux ? Des questions de ce genre taraudent Meiko. Elles la suivent tout au long des jours qui s’écoulent pendant les deux volumes du manga. Pour nous faire part de doutes que l’on devine être les siens, Inio Asano ne se limite pas à son héroïne. Il utilise l’ensemble de ses personnages, qui sont autant de facettes d’une même problématique. Si la plupart sont de jeunes adultes, l’auteur complète son exposé avec le point de vue de personnes plus âgées, comme la mère de Meiko ou le père de Taneda. Ceux-ci amènent un angle différent, celui d’une certaine expérience, qui élargit les horizons de nos héros. Ils apportent aussi une pertinence indéniable, tant ces protagonistes jouissent, dès leur première apparition, d’une identité et d’une existence propres, ainsi que d’une grande justesse.

Malgré l’omniprésence de telles questions, Inio Asano n’a jamais la prétention de vouloir, ou même de pouvoir, y répondre. Son message est plutôt que ces doutes font partie intégrante de la vie. Qu’on les écoute ou qu’on les mette en sourdine, ils ne nous quitteront jamais vraiment et sont même nécessaires pour avancer. Meiko ne s’en aperçoit pas forcément, mais, pendant que ses hésitations la tourmentent et l’amènent à faire des choix, elle vit, tout simplement. Elle trace sa route, avance, se construit sa propre expérience et son propre avenir. Ce sont ces questions et les aléas de la vie qui l’amènent à évoluer. Elles ne traduisent en aucun cas un surplace. Arrivé à la fin du manga, on ne peut d’ailleurs pas dire qu’elle en ait fini avec celles-ci. Malgré cela, on sent bien qu’elle a grandi et que ce qu’elle a vécu dans les deux volumes que compte la série l’a changée et l’a fait avancer, même si ce n’était peut-être pas dans la direction qu’elle souhaitait ou qu’elle avait imaginée. Représentant une jeunesse un peu perdue, qui se cherche en tant qu’adulte, Meiko ne se rend finalement jamais compte que ce n’est pas quelque chose que l’on devient du jour au lendemain. Quelque part, malgré elle, elle l’est même déjà dès le début du manga. Ce ne sont pas ses doutes qui contredisent cet état de fait. Bien au contraire, ils sont ceux de tout un chacun, qu’il le laisse transparaître ou pas.

La meilleure illustration du conflit intérieur que vivent Meiko et tous les protagonistes de Solanin se situe certainement dans l’épisode de la réunion de Taneda avec lui-même. Dans ce passage, les différentes facettes du personnage s’expriment et débattent sur une question qui le tourmente. Ces quelques pages devraient parler à tous les indécis, tant elles traduisent parfaitement l’état d’esprit que l’on peut avoir dans ce genre de moments. S’il y a mille raisons d’avancer et de faire les choses, on trouve toujours une bonne raison de remettre à plus tard ce qui doit être fait. Cette brillante et éloquente mise en image d’un sentiment confus que tout le monde a déjà connu est le genre d’idées qui donne à Solanin sa personnalité unique et aux personnages toute leur consistance.

Les raisons pour lesquelles Solanin m’a parlé comme rarement une œuvre a pu le faire sont multiples : le talent d’un auteur, dont la narration et le coup de crayon m’ont séduit (dans Solanin, comme dans Le Quartier de la Lumière, Le Champ de l’Arc-en-ciel et, dans une moindre mesure, Un Monde Formidable, ses autres mangas disponibles en France), un récit dans lequel je me suis pleinement reconnu et qui a alimenté mes propres réflexions, et un attachement déraisonnable pour ses personnages. Pour tout cela, lecture après lecture, le titre d’Inio Asano demeure pour moi extrêmement précieux et continue de me toucher comme au premier jour. Dans ces conditions, je ne vous surprendrai pas en vous disant que j’attends avec impatience La Fin du Monde, Avant le Lever du Jour, le prochain one-shot de l’auteur, qui sortira le 6 mai 2011 en France.

My Girl - Tome 3

Serait-ce le titre qui se bonifie ? Ou mon état d’esprit au moment de la lecture qui a joué ? Je ne sais pas, mais toujours est-il que, avec son troisième volume, My Girl m’a offert un moment de lecture encore plus intense et touchant que par le passé. Pourtant, le contenu du titre varie peu et fait toujours la part belle aux tranches de vie, se focalisant autant sur nos deux héros que sur les personnes qu’ils peuvent croiser de manière ponctuelle ou récurrente.

Basés sur de petits imprévus, comme la vie nous en offre régulièrement, les différents chapitres de ce troisième volume mettent en avant les sentiments des personnages, ainsi que leur vision de leur propre existence et de la vie en général. Les situations décrites, autant que la manière dont les vivent les protagonistes, témoignent de la grande justesse du titre. De plus, le souci du détail constant, tant dans les attitudes que dans le décor et le contexte, donne corps au petit monde du manga. Grâce à cela, et parce qu’il se place plus que jamais sous le signe du quotidien, il se montre extrêmement parlant et évoquera à tout un chacun son propre quotidien et des souvenirs plus ou moins lointains.

Dans ces conditions, on n’a aucun mal à se laisser embarquer par les jours que nous vivons aux côtés de Koharu et de Masamune, ainsi que par les sentiments et doutes qu’ils nous font partager. De leur côté, les personnages secondaires et leurs histoires amènent un peu de variété au titre et élargissent ses horizons. Sans jamais trop en faire, Mizu Sahara réussit à nous émouvoir avec des petits riens, des épisodes ordinaires de la vie, toujours propices aux sentiments. Les gestes simples et les petites attentions que l’on peut avoir pour autrui, en toutes circonstances, même au sein d’un quotidien qui tend à se répéter et à ne varier que par des anecdotes ponctuelles, y prennent une importance particulière. Ils invitent le lecteur à s’interroger quant à son propre comportement vis à vis de ses proches.

Ce troisième volume se distingue également par les portraits de personnages qu’il dresse. En plus de très convaincants seconds rôles, j’ai apprécié l’évolution de Masamune. Petit à petit, il commence à s’épaissir et à nous faire part de ses doutes et de son sentiment de surplace. Tant dans sa position que dans ses hésitations, c’est un personnage qui apparaît plutôt banal, mais dans le bon sens du terme. Effectivement, il est assez aisé de se reconnaître en lui, ou au moins en une de ses facettes, notamment pour un lecteur du même âge. Avec ce processus d’identification, on s’implique d’autant plus dans My Girl, notamment du point de vue émotionnel.

Malgré l’intérêt que My Girl avait déjà suscité chez moi, ce troisième volume m’a fait très forte impression. Je dois même dire qu’il m’a surpris, tant je ne m’attendais pas à être touché à ce point. Mettant en avant la simplicité du quotidien et la chaleur des rapports humains, il apparaît comme une réelle bouffée d’oxygène, riche des nombreux sentiments mis en avant et des égards qu’il nous rappelle de toujours garder pour les gens qui nous entourent.

Vinland Saga - Tome 8

Dans le huitième tome de Vinland Saga, Makoto Yukimura offre un tournant majeur à son scénario, un bouleversement aussi inattendu qu’époustouflant. A vrai dire, ce seul retournement de situation réussit à me réconcilier avec un titre avec lequel j’étais un peu en froid depuis deux volumes. Les motifs de ma « fâcherie » avec Vinland Saga (que je n’avais pas encore évoquée, faute d’avoir traité les opus précédents sur le blog) sont à chercher dans son sixième tome, auquel je n’avais pas accroché en raison du brusque revirement qu’y connaissait Knut. Le personnage changeait du tout au tout, mais de manière trop précipitée et artificielle, ce qui perturbait mon implication dans une intrigue qui se basait de plus en plus sur lui.

A ce propos, le volume 8 de Vinland Saga rend enfin le nouveau Knut plus convaincant. Derrière sa façade de certitude et d’ambition, on y voit effectivement transparaître des hésitations qui nous rappellent celui qu’il était il y a peu. Grâce à cela, le personnage se montre plus juste et, avec lui, c’est toute l’intrigue de Vinland Saga qui gagne en crédibilité. Toutefois, ce point n’est qu’un détail à côté du bouleversement que Makoto Yukimura nous réserve ici et de l’effet que celui-ci a sur le lecteur.

S’inscrivant dans la lignée du volume précédent, les premières pages mettent en place une lutte d’influence au long cours visant à placer Knut sur le trône. L’intelligent Askeladd y est à son aise et concocte de fins stratagèmes pour empêcher le roi Sven d’agir à sa guise et d’évincer Knut. On est ici dans une phase de stratégie, dans laquelle les dialogues ont la primeur et où chacun place ses pions en vue d’anticiper les mouvements de l’adversaire. Le tout est suffisamment habile et subtile pour que le lecteur se prenne au jeu et suive les raisonnements des personnages avec attention.

Et pourtant, à un moment, tout bascule, alors que rien ne le laissait présager. Le lecteur et les personnages eux-mêmes sont d’ailleurs les premiers surpris. D’une page à l’autre, au cours d’une confrontation tendue entre Sven et Askeladd, ce dernier est amené à prendre une décision qui va radicalement modifier le cours des événements. Si une réflexion aussi brève qu’intense est le moteur de son choix, on passe instantanément de manœuvres posées à un acte d’apparence impulsive, qui envoie valser tous les stratagèmes élaborés précédemment. Sous l’effet de la surprise et d’une donne qui se retrouve brusquement chamboulée, le lecteur reste ébahi, le souffle coupé. D’autant que le tout est mené de manière magistrale, avec une montée progressive de la tension et de l’intensité qui accompagne la décision d’Askeladd.

Par la suite, l’auteur ne nous laisse pas vraiment le temps de nous en remettre et de mesurer toutes les conséquences de ce à quoi on vient d’assister. Il entame effectivement une nouvelle partie de l’histoire de Vinland Saga, dans laquelle il commence par supprimer tous nos repères. Il introduit un nouveau personnage, sur lequel il se focalise et par le biais duquel on retrouve finalement une tête bien connue. Classique parmi les classiques, ce procédé narratif fonctionne ici à merveille et suscite la curiosité. Plusieurs questions nous taraudent alors l’esprit. Que s’est-il passé pour que Thorfinn se retrouve dans une telle situation ? Étant certain qu’il n’en restera pas là, quelle sera la suite de son parcours ? Et qu’en est-il des autres personnages ?

Encore sous le choc et tenaillé par ces interrogations, le lecteur ressort de ce volume avec une unique envie : celle de découvrir le plus vite possible le prochain tome de Vinland Saga. Après un volume aussi brillant, il ne pouvait de toute façon pas en être autrement. Me voici réconcilié avec le titre de Makoto Yukimura, que je considère de nouveau comme une valeur sûre de premier plan, de celles que l’on attend toujours avec confiance et impatience.

Real - Tome 9

Le rythme de sortie annuel, bien calé sur la parution japonaise, est toujours de mise pour Real. C’est donc après une absence d’un an que l’on retrouve le manga en France avec la sortie de son neuvième volume. Ici, Takehiko Inoué se focalise principalement sur Nomiya et Takahashi et sur l’évolution de leurs vies. Mis en parallèle, leurs parcours respectifs soulignent l’importance de se fixer des objectifs pour avancer. Effectivement, là où Takahashi stagne, manque de motivation et semble incapable de se projeter vers l’avenir, Nomiya, lui, a enfin abandonné son désœuvrement et ses atermoiements. Aujourd’hui, il a un but et multiplie les efforts pour y parvenir.

Mis en relation avec l’immobilisme de Takahashi, le sursaut de Nomiya ne semble être là que pour mettre en évidence ce qu’il manque à celui-ci et pour le faire réagir. Point d’orgue de ce volume, c’est d’ailleurs une rencontre entre les deux personnages qui mène Takahashi à une prise de conscience. Oui, sa vie n’est pas finie et les efforts qu’il doit fournir pour sa rééducation en valent la peine. Bien sûr, l’existence à laquelle il peut aspirer aujourd’hui est à mille lieues de ce qu’il pouvait attendre avant son accident, mais sera-t-elle moins intéressante pour autant ? Evoluant au gré de ses contacts avec les autres, Takahashi se rapproche peu à peu de cette conclusion et voit son échelle de valeurs et sa manière de voir les choses modifiées. Avec cette prise de conscience pour final, le neuvième tome de Real constitue une avancée cruciale pour le personnage et donne très envie de découvrir la suite de son parcours.

Une nouvelle fois, les tranches de vie que nous offre Takehiko Inoué réussissent à nous toucher grâce à leur extrême justesse. Malgré une thématique difficile, le mangaka a effectivement le bon goût d’éviter de trop en faire, en termes de sensationnalisme, d’émotion ou de rebondissements. Le rythme du récit est à l’avenant. Calme, il colle au quotidien des personnages. On a ainsi l’occasion de partager leurs existences au jour le jour et de les voir évoluer par petites touches, au gré des rencontres et des discussions. Cela permet de mieux les comprendre, eux, leurs états d’âme et leurs dilemmes. Pour ne rien gâcher, l’auteur excelle dans la peinture de personnages toujours plus vrais que nature.

Pour toutes ces raisons, on ne ressort jamais indifférent de la lecture d’un tome de Real. Profondément réaliste, le titre nous fait régulièrement oublier que l’on est en train de lire un manga, tant les personnages que l’on suit sont humains et leurs vies tragiquement ordinaires et saisissantes. Ce neuvième opus ne fait pas exception à la règle et confirme, si besoin était, toutes les qualités de l’œuvre de Takehiko Inoué. Il ne nous rend également que plus impatient de découvrir le prochain volume.

Inspirées de faits réels, les histoires de Blessures Nocturnes adoptent toutes une structure relativement similaire. Chacune d’elles nous permet de faire la connaissance d’un nouvel adolescent. A travers sa rencontre avec Mizutani et la manière dont celui-ci va s’occuper de lui, on découvre sa situation actuelle, les difficultés auxquelles il est confronté, ainsi que les circonstances qui l’y ont conduit. Les récits ont beau être relativement courts, les enfants ne tardent pas à s’imposer à nous en tant qu’êtres humains à part entière. Chacun d’eux a sa personnalité, sa manière d’être et se révèle aussi attachant que convaincant. Même après six volumes, on ne ressent jamais l’impression de répétition, tant chaque jeune a une identité forte qui le rend unique. On devine également toute l’affection qu’a l’auteur pour ses personnages et celui-ci réussit fort bien à nous la transmettre. Dans ces conditions, on ne peut qu’être ému par leurs difficiles conditions de vie et la manière dont ils vont se battre pour que cela change.

Dramatiques, captivants et éprouvants, les récits le sont d’autant plus que l’on s’attache aux différents adolescents qu’ils mettent en avant. Ils profitent également d’un déroulement imprévisible qui ne laisse jamais deviner quelle sera leur issue. Si certains d’entre eux se terminent par un joli « happy end », d’autres connaissent au contraire une fin cruelle et tragique. Dans un cas comme dans l’autre, l’émotion se fait presque palpable et particulièrement intense dans la joie, et plus encore dans la tristesse. De plus, on garde constamment à l’esprit que ces drames du quotidien sont inspirés d’histoires vraies. Les touchants commentaires du scénariste, qui viennent s’intercaler entre chaque chapitre, nous le rappellent constamment, en remettant dans leur contexte réel les récits de Blessures Nocturnes. Cet état de fait influence notre perception de ceux-ci et décuple encore davantage les sentiments que l’œuvre suscite.

Si les enfants constituent le cœur de Blessures Nocturnes, en arrière-plan, c’est le portrait du professeur Mizutani qui se dessine peu à peu. Avec son rôle de bienfaiteur plein de bonne volonté et de générosité, on pouvait craindre qu’il apparaisse lisse et sans personnalité. Trop parfait en somme. Mais ce n’est pas le cas. Au contraire, on découvre un personnage avec son caractère, ses idées parfois trop arrêtées et ses convictions. S’il se montre persévérant, il lui arrive également de s’entêter plus que de raison. On le voit parfois faire des erreurs, les regretter et essayer de les réparer, ce qui ne le rend que plus humain. Évidemment, l’image que l’on se fait de lui au sortir de Blessures Nocturnes est difficilement autre qu’élogieuse : il s’agit tout de même d’un être qui sacrifie tout, sa santé, sa vie de famille et son temps, pour venir en aide aux adolescents et ce, quelle que soit leur situation ou les dangers qui les entourent. A l’image des enfants qu’il soutient, lui aussi apparaît comme un personnage profondément marquant et son optimisme et la confiance qu’il place dans ses petits protégés font chaud au cœur.

Avant de conclure, un petit mot sur le dessin de Seiki Tsuchida. Avec son trait propre et soigné, le dessinateur œuvre dans le style profondément réaliste qui était déjà le sien dans Under the Same Moon. Les personnages ont des physionomies bien distinctes, qui reflètent parfaitement leur caractère et leur état d’esprit. Enfin, pour accentuer l’émotion, le mangaka use régulièrement de gros plans très détaillés sur les visages des protagonistes, qui se signalent par une expressivité plus vraie que nature. Dénué de toute fantaisie, le graphisme de Seiki Tsuchida convient en tout cas parfaitement à Blessures Nocturnes et ancre un peu plus le titre dans la réalité, participant en cela à la force d’attraction que le titre exerce sur le lecteur.

Blessures Nocturnes n’est donc clairement pas le genre de mangas qu’on lit simplement pour se détendre. Divertissante, certes, avec ses histoires touchantes et bien menées, l’œuvre se distingue surtout par les destinées tragiques qu’elle met en avant et par le condensé d’émotions qu’elle procure. En filigrane, Osamu Mizutani nous laisse un message, une invitation, un devoir presque : celui d’aller vers les autres, que ce soit pour les aider ou simplement pour leur parler, échanger et s’ouvrir à eux.

Puzzle - Tome 1

Puzzle se présente comme une collection d’histoires courtes, toutes centrées sur les amourettes d’adolescents et de jeunes adultes. C’est sur une impression de récits indépendants que l’on ferme le premier volume du manga. Toutefois, dès le volume suivant, on devine que les choses ne sont pas si simples et que ce qui ressemble à des nouvelles non liées entre elles ne sont que les multiples facettes d’une même histoire beaucoup plus vaste.

En effet, les deux récits du deuxième tome viennent compléter et répondre à ceux de son prédécesseur. On y retrouve certains personnages dans d’autres circonstances, qu’il s’agisse de temps ou de lieu. Le titre du manga est d’ailleurs extrêmement éloquent. Il caractérise ces différentes nouvelles qui, telles les pièces d’un puzzle, s’emboîtent pour développer une intrigue plus conséquente.

Cette narration éclatée est un gros point fort du manga de Ryô Ikuemi. En nous lançant régulièrement dans l’inconnu, l’auteure nous offre un titre imprévisible et particulièrement intriguant. Sachant les liens qui existent entre les différentes histoires, le lecteur lit et relit attentivement chacune d’elles, en quête de visages connus et de repères auxquels se rattacher. Il est également difficile de ne pas s’interroger sur les connexions qui ont existé, existent ou existeront entre les personnages. De plus, chaque chapitre dure suffisamment longtemps pour nous permettre de nous attacher aux protagonistes, ce qui décuple notre intérêt pour le scénario et notre envie de les revoir ultérieurement.

Et Puzzle ne s’arrête pas à l’originalité de sa narration déstructurée pour se démarquer. En effet, le titre profite de personnages aussi attachants que convaincants qui se distinguent par la justesse de leur comportement, de leurs réactions et de leurs répliques. Grâce à cela, on vit leur quotidien comme si on était à leurs côtés. Les histoires n’en sont que plus prenantes, et l’émotion, les dilemmes et les drames plus parlants. Le dessin, expressif et agréable, complète joliment le tableau en donnant vie aux différents acteurs du manga.

Saisissante peinture du quotidien, Puzzle démarre donc très fort et constitue déjà pour moi un gros coup de cœur. Je ressors particulièrement ébranlé de la lecture de ces deux premiers volumes, habités par des personnages forts et une intense émotion. Le volume 3 du manga de Ryô Ikuemi sortira le 18 août en France.

Vagabond - Tome 31

En suivant en parallèle les trajectoires respectives de Matahachi et de Musashi, le volume 31 de Vagabond se montre très caractéristique de la série dans son ensemble. Alors qu’ils étaient partis du même endroit, et avec des ambitions apparemment similaires, les deux amis d’enfance ont finalement pris des chemins radicalement différents. Toutefois, qu’il s’agisse de retrouvailles éphémères ou d’épreuves analogues, leurs routes ont été émaillées de divers points de jonction, qui n’ont fait que confirmer le fossé qui les sépare. Ce tome en est une nouvelle illustration.

Que Matahachi et Musashi soient deux personnages forts et bien campés n’est évidemment pas étranger à l’intérêt que le lecteur éprouve pour Vagabond. Toutefois, il faut bien reconnaître que, si ces deux personnages interpellent, ce n’est pas pour les mêmes raisons. Là où Musashi peut captiver par les combats haletants qui ponctuent sa route, Matahachi, lui, n’a que sa personnalité et ses vaines ambitions pour nous séduire. Sans talent particulier, ce beau-parleur est meurtri par ses désillusions successives et l’envie qu’il éprouve vis à vis de son ami d’enfance. S’inventant la vie de ses rêves, il s’est enfermé dans une muraille de mensonges qui ne tient que sur de fragiles apparences. Son parcours constitue le portrait saisissant et intemporel d’un être qui, obnubilé par son idéal de la réussite, s’est vainement accroché à toutes les branches pour s’en approcher. D’aucuns pourraient le trouver pitoyable, il s’agit pourtant d’un personnage extrêmement juste, et finalement très banal. En effet, ses travers et ses objectifs sont un peu ceux de tout un chacun (à plus ou moins grande échelle selon les personnes évidemment).

A l’inverse, Musashi est un personnage aussi fascinant qu’extraordinaire. Effectivement, sa recherche du sens de la force et de la voie du sabre n’est pas celle de monsieur tout le monde. Pourtant, ses doutes, l’évolution de sa réflexion, ainsi que ses réponses, qui semblent le fuir à chaque fois qu’il s’en approche, laissent transparaître son humanité. Ces éléments invitent également le lecteur à s’interroger sur la finalité de son parcours. D’autant que, derrière tout cela, se cache finalement des interrogations similaires à celles de Matahachi quant au sens à donner à sa vie. En outre, le chemin de Musashi est parsemé de rencontres, qui sont à chaque fois l’occasion de portraits marquants. Quant à ses combats, périlleux, tendus et spectaculaires, ce sont toujours des moments de bravoure qui ne peuvent que subjuguer le lecteur et susciter l’envie d’en découvrir l’issue.

Comme une synthèse de toute la série, le volume 31 de Vagabond nous donne à contempler Musashi et Matahachi, dans leurs facettes les plus caractéristiques et dans des épreuves qui illustrent autant le parallèle de leurs parcours respectifs que la différence qui les sépare. Revenant sur leurs pas, tous deux se tournent ici vers le passé. Ce faisant, ils ont tout le loisir de contempler le chemin parcouru dans une introspection aux forts accents d’aboutissement. Accompagnant sa mère dans ses derniers instants, Matahachi fait face à ses mensonges et au vide de sa vie, et semble enfin prêt à s’assumer tel qu’il est. De son côté, Musashi cherche à revoir Sekishusai Yagyu afin d’obtenir des réponses sur le sens de ses combats. Alors qu’il est diminué par sa blessure à la jambe, le hasard place Ittosai Itô sur sa route. Cet adversaire, qui dégage une force impressionnante, saura-t-il mettre fin à sa réflexion ? Sera-t-il celui qui le poussera, une nouvelle fois, à mettre sa vie en jeu ? Ou Musashi devra-t-il attendre de croiser à nouveau Sasaki Kojirô, le troisième larron de Vagabond, dans des retrouvailles écrites d’avance ?

Partagé entre le bouillonnement intérieur de ses personnages, l’émotion de la perte d’un être cher et le frisson du terrible combat qui s’annonce, le tome 31 de Vagabond nous offre un nouveau moment de lecture extrêmement intense. Après une phase de transition logique, le titre de Takehiko Inoué semble à nouveau sur la pente ascendante, ce qui ne nous rend que plus impatient d’en découvrir la suite. Cela tombe bien, le prochain volume se fera moins attendre que celui-ci, puisque sa sortie en France est annoncée pour le 15 septembre.

L'Habitant de l'Infini - Tome 24

Un an. On peut dire que nous l’aurons attendu, ce vingt-quatrième volume de L’Habitant de l’Infini. Une absence longue, mais justifiée, puisque nous suivons de près la publication japonaise (bientôt 26 volumes). Entré dans sa dernière partie, le titre de Hiroaki Samura délaisse ici Anotsu et le Ittôryû, poursuivis par Habaki Kagimura, pour se pencher sur le cas de Shira. Celui-ci orchestre un nouvel affrontement face à Manji, afin de régler ses comptes.

Entre son mépris pour la vie d’autrui, la gratuité de ses actes et sa cruauté sans limite, bien des raisons font de Shira un personnage aussi détestable que profondément marquant. A plusieurs reprises, Hiroaki Samura nous a placé face au terrible spectacle de sa folie meurtrière. Même les cœurs les plus accrochés s’en souviennent encore, en raison du malaise ressenti. Et que dire de son incroyable ténacité, qui l’amène, aujourd’hui encore, sur la route de Manji. Cette ultime (?) confrontation a donc une saveur toute particulière, d’autant que Shira a plus d’un tour dans son sac. Intense et haletant, l’affrontement n’a aucun mal à capter toute l’attention du lecteur, totalement suspendu face au péril qui menace Lin et Manji. De plus, les révélations sur l’immortalité de ce dernier viennent préciser le danger qui pèse sur ses épaules, qui, pour le coup, n’ont jamais paru si vulnérables.

En arrière-plan, le personnage de Renzô donne une autre couleur à ce combat. Son destin cruel, comme le dilemme qui le tourmente, ne manquent pas de toucher et d’interroger le lecteur. Malgré son attachement pour Manji et Lin, celui-ci doit bien reconnaître que c’est le désir de vengeance de cette dernière qui a bouleversé l’existence de Renzô. Le cercle vicieux de la violence, thème central du manga, s’illustre une nouvelle fois avec cette situation tragique.

En laissant la part belle à l’action, le vingt-quatrième volume de L’Habitant de l’Infini permet de nouveau à Hiroaki Samura de nous épater par la qualité de son dessin et de sa mise en cases. L’esthétisme de son trait, à base de hachures et de crayonnés, l’impression de mouvement qu’il dégage et les cadrages audacieux utilisés font merveille pour représenter la violence de combats littéralement ébouriffants.

Malgré quelques facilités scénaristiques, que l’on pardonnera aisément à Samura, puisqu’elles permettent la mise en place d’une situation aussi inextricable que captivante, ce volume tout en tension fait honneur à L’Habitant de l’Infini. C’est dire sa qualité. Le souffle coupé, le lecteur n’a qu’une hâte, celle de voir comment Lin et Manji vont se tirer de ce mauvais pas, et surtout de découvrir comment ils vont se débarrasser de l’infâme Shira. Pour cela, il faudra malheureusement de nouveau faire preuve de patience.

Rainbow - Tome 6

Après une première publication stoppée nette par la disparition de SEEBD, son éditeur (via le label Kabuto), Rainbow fait son retour chez Kazé Manga. Reprenant la parution depuis le début, l’éditeur sort les volumes du manga mensuellement, par paquet de trois, afin de raccourcir au maximum l’attente des lecteurs laissés pour compte. Sur un titre moyen, un rythme de publication aussi soutenu pourrait lasser et mettre en évidence d’éventuels limites et défauts. Fort heureusement, ce n’est pas le cas de Rainbow.

Le titre nous narre l’histoire de sept jeunes, qui se rencontrent en maison de redressement, dans le Japon de l’après-guerre. Peu gâtés par la vie et souffrant de leurs conditions de détention, les protagonistes ont en plus le malheur de croiser la route de deux personnages détestables. Autorités dans la maison de redressement, ceux-ci abusent de leur pouvoir et vont mener la vie dure à nos héros. Quand le quotidien passe du cauchemar au calvaire, cela aboutit à un récit éprouvant, mais franchement passionnant, tant on a envie de voir les personnages s’en sortir. Respirant la fougue de la jeunesse et des rêves plein la tête, tous les sept décident de se serrer les coudes et se lient peu à peu d’une amitié inébranlable, qui se poursuit même au-delà des murs de leur centre de détention. Pourront-ils un jour aspirer durablement à des lendemains radieux et insouciants ?

Venant compléter le palpitant scénario de George Abe, le trait de Masasumi Kakizaki se montre à la hauteur de la tâche. Il joue à merveille sur les ombres et les teintes sombres, grâce à un travail remarquable sur les hachures. Parfaitement illustrés, les décors contribuent à nous plonger dans l’atmosphère instaurée par le récit. De leur côté, les personnages sont expressifs et leurs traits de visage caractéristiques viennent appuyer leurs caractères respectifs. Le travail de caricaturiste du dessinateur est exemplaire, donnant vie aux héros comme aux quelques psychopathes (dont la folie déborde littéralement des pages du manga), tout en les intégrant au cadre réaliste du manga.

Outre les qualités sus-citées, Rainbow se distingue par la présence forte d’un narrateur extérieur à l’intrigue. Celui-ci nous gratifie de fréquentes interventions qui glorifient l’amitié, l’entraide et le don de soi au bénéfice de ses proches. C’est parfois touchant, parfois un peu trop caricatural, mais jamais ces monologues ne se montrent essentiels ou incontournables, le récit se suffisant toujours à lui-même. Toutefois, par ses propos, le narrateur, que l’on identifie rapidement comme étant le scénariste lui-même, donne un cachet particulier au titre. En effet, George Abe avoue s’être partiellement inspiré de sa propre vie pour écrire son scénario. Grâce à cela, Rainbow bénéficie d’une caution réaliste et interpelle d’autant plus.

En 6 volumes, Rainbow s’impose déjà clairement comme un titre de tout premier choix. L’oeuvre se révélant captivante, on enchaîne les volumes, totalement subjugué par les déboires et la volonté de ses sept héros. Le rythme de publication rapide adopté se montre ici plus qu’appréciable et nous fait avancer à grands pas dans l’intrigue. Il va sans dire que j’attends la suite avec impatience. La prochaine salve de sorties de Rainbow, prévue pour le 29 avril, comptera une nouvelle fois 3 tomes.

C'était Nous - Tome 13

Retrouvé par hasard par Sengenji, Yano refait surface après des années d’absence. Pour Nanami et Takeuchi, c’est l’heure des retrouvailles avec lui, mais aussi des confrontations. Pourquoi est-il resté absent et silencieux aussi longtemps ? Qu’est-il devenu pendant ce temps ? De ses réponses, dépendent l’équilibre de Nanami, plongée depuis plus de cinq ans dans le souvenir de leurs belles années, et de Takeuchi, dévoué à celle-ci et sur le point de lui faire sa demande en mariage.

Pour son retour en France après une (trop) longue absence d’un an et demi (à peine comblée par la sortie du fan-book en mai 2009), C’était Nous nous gâte avec un volume 13 exceptionnel. Ce nouveau tome est totalement habité par le personnage de Yano, insaisissable, imperturbable et parfois inquiétant, qui donne tout son piment à l’intrigue du manga de Yuuki Obata. Pour le lecteur, comme pour Sengenji, Nanami et Takeuchi, il est difficile de connaître ses sentiments réels ou d’anticiper ses réactions, le jeune homme se cachant sous une épaisse carapace d’indifférence et de provocation.

Pourtant, Nanami, qui peine à oublier leur amour passé, comme Takeuchi, qui lui fait la cour dans l’espoir qu’elle passe enfin à autre chose, doivent faire face à Yano afin de comprendre ce qu’il lui est arrivé et de pouvoir enfin se tourner vers l’avenir. Ce volume est ainsi animé par ces retrouvailles tendues où le comportement détaché de Yano, soufflant le chaud et le froid sur eux, déboussole ses anciens amis et les met mal à l’aise. La suite de C’était Nous est plus incertaine que jamais, tant du côté de Yano que de celui de Nanami, qu’un électrochoc pourrait bien décider à tourner la page.

Prenant comme il l’a rarement été depuis ses débuts, le manga de Yuuki Obata bénéficie toujours de la justesse de ses personnages, de leurs réactions, de leurs répliques et de leurs touchants monologues, ainsi que de la présence d’un arrière-plan (les personnages ont une vie en dehors de leur histoire d’amour) qui rend palpable la réalité de la série. De plus, l’auteure mène parfaitement sa barque, le saut dans le temps opéré il y a quelques volumes étant maîtrisé et amenant une nouvelle dynamique au récit. Le puzzle induit par ce procédé narratif complété (ou presque), l’intrigue repart ici de l’avant et, semble-t-il, amorce sa dernière ligne droite (le site de Soleil Manga annonçant effectivement un total de 15 volumes pour le titre).

La fin du volume, haletante, est remarquable de suspense et d’angoisse. On referme donc ce treizième tome dans l’attente insoutenable de la suite. Fort heureusement, celle-ci devrait sortir un peu plus rapidement puisque la mangaka l’annonce pour l’été prochain au Japon (soit, dans le meilleur des cas, en fin d’année chez nous).

Beck - Tome 34

Le trente-quatrième tome de Beck marque la fin d’une saga qui nous aura tenus en haleine pendant plus de 5 ans. Résolument placé sous le signe de l’émotion, ce dernier volet se consacre essentiellement à la prestation des Mongolian Chop Squad au festival Greatful Sound. Ce concert est l’occasion pour chaque membre du groupe de se remémorer les temps forts de leur aventure et tout ce qu’elle leur a apporté.

Sans enjeu depuis la percée fulgurante des Mongolian Chop Squad, le titre de Harold Sakuishi se termine sans véritable surprise, ni suspense insoutenable. Néanmoins, en prenant le temps de décrire la réussite de ses héros et d’enrichir encore ses personnages (notamment Ryûsuke et Taira, restés jusqu’ici assez secrets quant à leurs envies et leurs motivations), l’auteur nous offre de beaux moments, joyeux et émouvants, notamment grâce à un long et envoûtant concert, qui sublime l’amitié qui s’est créée entre les cinq membres du groupe. Ce dernier tome se révèle ainsi enthousiasmant et touchant, et constitue une conclusion remarquable pour un titre qui ne l’est pas moins.

En plus du dénouement de son oeuvre, Harold Sakuishi nous offre, dans le dernier tiers de ce volume, une nouvelle dédiée à Eddie Lee, le guitariste des Dying Breeds. L’auteur nous fait vivre sa dernière journée, entrecoupée de courtes analepses centrées sur les moments charnières de son existence. Dans une ambiance propice aux larmes, de nouveaux éléments nous sont dévoilés, tels que la rencontre entre celui-ci et Ryûsuke, la naissance de leur amitié et le moteur que celle-ci constituait pour le guitariste de Beck. Un épisode émouvant qui vient conclure le manga en beauté.

De bout en bout, Beck a été un rendez-vous incontournable, captivant et riche des nombreux sentiments qu’il procure au lecteur. Pour ma part, c’est un titre que je n’oublierai pas de sitôt et que je conserverai précieusement dans ma bibliothèque.

Gunslinger Girl - Tome 11

Neuf mois après la sortie du volume précédent, Gunslinger Girl est enfin de retour. Malgré ses rares parutions, l’oeuvre de Yu Aida demeure un rendez-vous incontournable par sa qualité constante. Son onzième volume, qui offre un condensé de ce que le titre nous propose de meilleur depuis le début, en est une nouvelle illustration.

On retrouve ainsi son scénario réfléchi et documenté, basé sur les tensions politiques en Italie. Plus présentes dans ce volume qu’à l’accoutumée, les scènes d’action, savamment distillées, sont toujours aussi intenses et violentes. En outre, l’oeuvre reste empreinte d’une forte mélancolie, principalement due aux jeunes cyborgs aux visages d’ange, tourmentées par leur condition, leur passé oublié et leur « amour » pour leurs tuteurs. Une nouvelle fois à l’oeuvre dans le tome 11, la cruauté implacable qui a marqué au fer rouge l’existence des protagonistes contribue également à la tristesse ambiante. Plus que le reste, c’est certainement ce sentiment qui rend Gunslinger Girl si unique et si précieux.

Dans son onzième volume, le manga de Yu Aida nous en offre même un peu plus que d’habitude, grâce à des affrontements d’une intensité rare et au voile qui se lève sur le passé de deux personnages clés. Tous mobilisés, les fratelli (duos réunissant une cyborg et son tuteur) affrontent l’opposition la plus consistante à laquelle ils aient jamais eu affaire. Face à un groupe de terroristes préparés et lourdement armés, le danger qui pèse sur les épaules de nos jeunes héroïnes est omniprésent. Il rend ce volume plus oppressant que jamais, tant on craint pour leur vie. Suspendu au devenir des protagonistes, le tome 11 de Gunslinger Girl passionne d’autant plus que l’oeuvre nous fait constamment pressentir une issue funeste.

En fin de volume, une nouvelle destinée tragique se dévoile sous nos yeux, celle d’Enrica Croce, la jeune soeur de Jean et de José. L’auteur nous livre en effet une analepse attendue, qui pimentera davantage la lutte des deux frères contre le terroriste responsable de la perte de leur famille.

Toujours remarquable, Gunslinger Girl se paie le luxe de s’améliorer encore alors qu’il amorce une partie essentielle de son intrigue. Que Yu Aida se rassure, tant qu’il (elle ?) nous offrira des volumes de cette qualité, on ne risque pas d’oublier sa série, malgré la lenteur de sa publication. La suite, qui ne devrait épargner ni le lecteur, ni les protagonistes, est évidemment très attendue.

Fullmetal Alchemist tome 22

Quel bonheur que de lire l’oeuvre d’une auteure qui maîtrise à ce point son sujet. Pourtant, de par la longueur, l’envergure et la complexité de son intrigue, Fullmetal Alchemist n’est pas un titre facile, loin de là. Avec son vingt-deuxième tome, Hiromu Arakawa nous démontre une nouvelle fois qu’elle sait ce qu’elle fait et où elle va, et que chaque élément de son histoire est minutieusement préparé en vue d’échéances futures. Dans ce nouveau volume, comme elle l’a déjà fait à plusieurs reprises depuis le début de son manga, l’auteure embrase une situation potentiellement explosive, qu’elle a mise en place dans les volumes précédents. Après avoir soigneusement placé ses pions en différents lieux, elle provoque l’étincelle qui les met en mouvement et les fait entrer en collision via une succession de courses-poursuites et d’affrontements. Pour le final de son oeuvre, Hiromu Arakawa va même encore plus loin que précédemment en multipliant les points chauds de son intrigue et en développant simultanément différentes situations agitées. Celles-ci sont d’autant plus prenantes qu’elles mettent toutes des personnages emblématiques et attachants de son oeuvre face à une adversité loin d’être négligeable. On apprécie également les interventions et retours surprises de quelques protagonistes qui témoignent des liens forts qui existent entre eux. Tout ceci nous offre un volume captivant, tendu et bourré d’action et de rebondissements. La fin du tome nous laisse sur un suspense insoutenable avec 3, 4, 5, sinon plus, affrontements interrompus en pleine action. Oeuvre finement construite, remarquable et passionnante de bout en bout, Fullmetal Alchemist parvient encore à se bonifier dans sa dernière ligne droite. Pour ceux qui n’aurait pas encore découvert l’oeuvre de Hiromu Arakawa, il n’est pas trop tard : il serait dommage de passer à côté d’un titre de cette qualité.

Bakuon Rettô tome 7

En raison de révélations importantes sur son histoire, je déconseille la lecture de ce texte à ceux qui n’ont pas encore lu le volume 7 de Bakuon Rettô et qui souhaite le faire prochainement.

Parfois, on préférerait se tromper, et que nos intuitions douloureuses ne se concrétisent jamais. C’est empreint de ce sentiment, et en gardant à l’esprit le pressentiment évoqué dans ma précédente chronique, que j’ai lu le tome 7 de Bakuon Rettô. Hélas, les pistes laissées par Tsutomu Takahashi étaient trop évidentes pour mentir et l’intuition est finalement devenue réalité. Construit autour de la tragédie annoncée, ce volume, dramatique et poignant, est certainement le meilleur de la série et constitue un tournant majeur.

Le tome 7 de Bakuon Rettô commence dans l’euphorie de Takashi, qui nous fait part de ses sentiments lorsqu’il chevauche sa moto, entouré de la bande des Zeros, de son impression d’invincibilité et de son mépris vis à vis de ceux qui, comme lui auparavant, mènent une vie ordinaire. Et puis, lorsque la tension du rassemblement retombe, survient l’événement, sans prévenir, au moment où l’on s’y attend le moins. Le récit bascule alors dans la tristesse et l’incompréhension dues à la perte d’un proche. A l’aide de gros plans extrêmement soignés et expressifs, Tsutomu Takahashi représente parfaitement les sentiments qui animent les protagonistes au cours des différentes étapes de la tragédie. De l’angoisse au désespoir, leurs réactions face à celle-ci les rendent plus humains que jamais et ne peuvent laisser le lecteur indifférent. Il en est de même pour les hommages rendus au défunt, qui sont autant de scènes intenses et émouvantes. Ce drame, finalement si ordinaire, est traité avec beaucoup de tact et de pudeur par l’auteur, qui privilégie la suggestion plutôt que la surexposition ou l’exagération. L’événement et ses répercussions n’en ont ainsi que plus d’effet sur le lecteur.

Véritable charnière de Bakuon Rettô, la tragédie n’est pas sans conséquence sur Takashi. Elle l’amène à se marginaliser davantage et à sortir du système qu’il méprise. La fracture qui s’est créée entre lui et les gens « normaux » est plus profonde que jamais. Elle se traduit par la systématisation des regards gênés, qui se baissent à son approche, comme si le simple fait de le regarder en face était dangereux. Sa colère envers le reste du monde est également nourrie par ces attitudes et par le rejet qu’il ressent à tout instant, rien qu’en se baladant dans la rue. A la lecture du volume, on n’est pas optimiste concernant la suite pour le jeune homme, qui semble aller droit dans le mur. Toujours entièrement centré sur Takashi, le récit est basé sur ses choix et ses réactions, qui en sont les moteurs majeurs. Il s’agit d’un personnage fort, extrêmement bien posé et décrit par Tsutomu Takahashi. Si le lecteur, avec le recul qui est le sien, ne partage pas forcément ses opinions ou ses décisions, il ne peut que les comprendre, elles ou l’état d’esprit qui les a entraînées.

Avec son septième tome, Bakuon Rettô passionne comme jamais. C’est avec impatience que l’on attend la suite. Faute de Sidooh, les fans de Tsutomu Takahashi ont, avec ce titre, une consolation de grande qualité.

Pour Sanpei tome 2

Suite au décès de sa femme, Sanpei s’installe chez son fils, sa belle-fille et sa petite-fille. Un jour, il découvre un cahier que lui a laissé son épouse. Celui-ci contient tout un tas de trucs et astuces permettant de faire face à toutes les situations du quotidien. Recettes de cuisine, manuel de couture et même indications sur le caractère de ses proches… Le voici paré à toutes les éventualités. Muni de cette aide précieuse, Sanpei décide de s’occuper des tâches domestiques afin de soulager son fils et son épouse. Cette nouvelle vie qui s’offre à lui ne manquera pas de lui réserver bien des émotions et des surprises.

Oeuvre courte en 2 volumes, Pour Sanpei est une chronique du quotidien signée Fumiyo Kouno et publiée par Kana dans sa collection Made In (aux côtés du bouleversant Pays des Cerisiers de la même auteure). Le titre se compose de chapitres indépendants, se consacrant chacun à une thématique ou un événement particulier. Tout ici est placé sous le signe de l’ordinaire, dans lequel l’anodin devient l’occasion d’une tranche de vie tendre et amusante. L’oeuvre prend parfois des accents de manuels pratiques. Présentant l’exécution de tâches domestiques dans le détail, elle nous permet presque de pouvoir les reproduire. En arrière-plan, les relations de Sanpei avec ses proches, ainsi que l’évolution de la situation de sa petite famille, constituent le fil conducteur du récit. Ces éléments accrochent le lecteur et suscitent en lui l’envie de découvrir la suite. Arrivé à la fin du deuxième et dernier tome, on n’aurait d’ailleurs pas refusé d’accompagner un peu plus longtemps cette famille sympathique dans son quotidien.

Avec leur caractère, leurs petits défauts, leurs humeurs, leurs réactions spontanées et leur comportement juste et naturel, les personnages de Pour Sanpei apparaissent très humains. Pour le lecteur, l’identification est instantanée et leurs aventures touchent et amusent d’autant plus. Expressif et plein de vitalité, le dessin accentue la consistance et le caractère des protagonistes. A la lecture, on a vraiment l’impression de voir ce petit monde prendre vie sous nos yeux. Simple et proche du croquis, le graphisme ne paye pas de mine mais s’avère vite indissociable de la réussite de l’oeuvre. Reflétant la banalité du quotidien, il sait également immortaliser l’émotion et la poésie de l’instant.

En prenant un personnage âgé pour héros, Pour Sanpei s’éloigne du tout-venant de la production manga qui cantonne généralement ce type de protagoniste à des rôles secondaires particulièrement caricaturaux. Sanpei a consacré l’essentiel de sa vie au travail, se tenant éloigné de la vie de famille. Le cahier de sa femme est d’ailleurs le symbole de toutes les petites choses qu’il a pu laisser de côté. Sa retraite, et le décès de son épouse, le laissent abattu et sans repère. Ces événements vont l’amener à démarrer une nouvelle vie, qu’il aborde avec un regard neuf, et à renouer avec ce à quoi il a renoncé pendant ses années de travail. Il fait enfin la connaissance de ses proches, et notamment de son fils, avec lequel il rattrape une partie du temps perdu, et apprend tout un tas de gestes du quotidien dont il n’avait, jusqu’alors, pas l’utilité. Sanpei se surprend même à éprouver des sentiments qu’il pensait éternellement dévolus à sa femme. L’oeuvre prend en effet des accents profondément romantiques avec l’incursion surprenante, subtile et naturelle de l’amour. Avec le personnage de Sanpei, Fumiyo Kouno délivre un message profondément positif. Peu importe son âge ou sa situation, on n’en a jamais vraiment fini avec la vie, tout comme elle, n’en a jamais vraiment fini avec nous. Tant qu’on en a l’envie et la volonté, il y a toujours quelque chose à espérer, quelque surprise qui nous attend au coin de la rue.

Pour Sanpei est un petit coin de chaleur, de tendresse et de convivialité qui laissera un souvenir durable et agréable à chacun de ses lecteurs. Tout simplement indispensable.

Sing "Yesterday" For Me tome 6

La sortie d’un nouveau volume de Sing « Yesterday » For Me, événement rare s’il en est, est toujours très attendue. Un peu comme les retrouvailles avec un vieil ami, on l’espère impatiemment, sans crainte de déception tant Kei Toumé nous a habitué au meilleur. Dans ce sixième tome, la mangaka continue son exploration de la vie de Rikuo, de Haru, de Shinako et des autres personnages qu’elle a introduits depuis le début de sa série. Centrée sur la routine du quotidien, avec ses journées de travail qui se répètent, ses rencontres au coin de la rue et tous les événements anodins qui la composent, l’intrigue ne stagne pas pour autant. Au contraire, petit à petit, les choses changent, à leur rythme, naturellement. Ce sont d’abord des choix professionnels ou scolaires qui s’affirment, de gré ou de force. Ce sont également des sentiments qui évoluent, rendant possible ce qui paraissait improbable quelques volumes plus tôt. Ces changements font tout le sel de Sing « Yesterday » For Me et donnent envie de connaître la suite. Kei Toumé excelle toujours dans la représentation du quotidien de ces jeunes gens attachants dont on partage les hésitations. Cela a beau se dérouler au Japon, il est difficile de ne pas se sentir concerné et de ne pas s’identifier aux personnages, surtout si on est dans la tranche d’âge concernée. Plus que jamais, Sing « Yesterday » For Me est une lecture précieuse, une peinture de la vie de tous les jours, simple et touchante.

Fruits Basket

Plus d’un mois sans nouveau billet. On aurait pu croire ce blog abandonné, et quelque part, c’était le cas. Néanmoins, je reviens aujourd’hui pour vous parler, non pas d’une nouveauté, mais d’un classique, un « best-seller » dont la réputation n’est plus à faire : Fruits Basket. S’il est parfois de bon ton de dénigrer les succès populaires, je ne m’amuserai pas à cela avec ce titre que je place sans hésiter parmi mes incontournables du manga.

Extrêmement complet, Fruits Basket voit Natsuki Takaya, son auteure, mêler vie quotidienne, humour, romance et drame avec une aisance et une réussite indéniables. Son scénario, maîtrisé et réfléchi, nous donne l’impression d’être entre de bonnes mains, celles d’une mangaka qui sait ce qu’elle fait et où elle va. Ainsi, très tôt dans le récit, des événements ou des personnages sont évoqués, mais ne se dévoileront que bien des volumes plus tard. De plus, l’histoire du manga suit son cours, de manière logique, à son rythme, sans accélération, ni délayage, et avance tranquillement vers son dénouement. L’oeuvre ne connaît pas de baisse de régime et conserve ses qualités tout au long des 23 volumes qui la composent.
L’intrigue de Fruits Basket repose entièrement sur ses nombreux personnages qui, chacun à leur tour, sont mis en lumière. Un chapitre du manga est ainsi généralement centré sur un protagoniste qui en est le narrateur et nous expose ses pensées. Natsuki Takaya en profite alors pour nous dévoiler sa vie et nous faire comprendre les raisons de son comportement et du malaise dont il souffre. En effet, la plupart des personnages dissimulent un passé douloureux qu’ils n’ont pas encore su surmonter et qui influence leur manière d’être au quotidien. Par le biais d’analepses plus ou moins longues, nous découvrons des drames humains du quotidien, loin du sensationnel et du spectaculaire. La malédiction de la famille Sôma, au coeur de l’intrigue de Fruits Basket, ne sert finalement que de prétexte pour mettre en scène des enfants rongés par la solitude et conditionnés dès leur plus jeune âge par le comportement de leurs proches à leur égard.
Entre introspections et réactions spontanées, la grande force de Fruits Basket, c’est le talent avec lequel Natsuki Takaya parvient à mettre en scène les états d’âme de ses personnages, ainsi que les changements qu’ils connaissent, petit à petit. On se prend rapidement d’affection pour tous les acteurs du manga, qui nous touchent par leur courage, leur volonté et leur générosité.
S’il accorde beaucoup de place au drame et à la souffrance, Fruits Basket ne sombre pas pour autant dans l’excès de déprime et de mélancolie. Natsuki Takaya équilibre son manga avec la chaleur de ses personnages, et avec beaucoup d’humour. On apprécie ainsi l’exubérance d’Ayame, de Saki (et ses fameuses ondes) ou de Shigure dont les interventions, et les réactions qu’elles provoquent, amusent beaucoup. Mention particulière au chapitre « A peu près Cendrillon », culte, hilarant et subtil par sa distribution des rôles à contre-emploi et par sa façon de mélanger la réalité avec la fiction.

Fruits Basket va droit au coeur et procure de nombreuses émotions au lecteur, des rires comme des larmes. Si l’oeuvre souffle le chaud et le froid quant aux rapports humains qu’elle place au centre de ses enjeux, on en ressort malgré tout avec le sourire grâce à la chaleur qui se dégage de ses personnages et des liens qui les unissent. Un incontournable ? Pour moi, oui, très clairement.

Berserk tome 32

A Vritanis, Guts et ses compagnons sont au coeur d’une bataille décisive opposant les armées Kushanes de Ganishka aux apôtres de la troupe du Faucon de Griffith. Si le guerrier noir et ses camarades de route oeuvrent pour embarquer sur le bâteau qui doit les emmener à Elf Helm, futur refuge de Casca, la bataille entre les deux autres camps dans et autour de la ville fortifiée est déterminante pour l’issue de la guerre qui les oppose et pour l’avenir du royaume du Midland.

Comme cela a déjà été le cas à plusieurs reprises depuis le début de la série, on assiste ici, après plusieurs volumes de mise en place, à la conclusion au sommet d’un arc de Berserk. Pour l’occasion, l’oeuvre se livre parée de ses plus beaux atours. Au coeur du volume, une bataille colossale opposant les milliers de soldats de l’armée Kushane à la troupe du Faucon permet à Kentaro Miura de sortir le grand jeu. Il nous offre des planches somptueuses et détaillées, présentant les mouvements des différentes troupes, et retranscrivant la violence et l’intensité des affrontements. Le dessin franchit ici un nouveau palier et le soin qui lui est accordé justifie amplement la lenteur des sorties japonaises de Berserk (un volume par an). Lenteur à laquelle il faudra également se faire en France, puisque nous sommes désormais à un volume de l’édition japonaise du manga. Le point d’orgue du volume est certainement le face à face entre Griffith et Ganishka. Surprenant dans la mesure où on ne l’attendait pas si tôt, ce passage extrêmement fort happe complètement le lecteur. La tension et l’excitation sont à leur paroxysme pour ce qui restera sûrement comme un des sommets de Berserk.
Guts et ses camarades n’apparaissent que peu dans ce volume qui est totalement habité par la présence presqu’irréelle de Griffith. Celui-ci dégage une sérénité impressionnante et semble maître de toutes les situations. Entouré d’alliés politiques et religieux de poids, il reprend son ascension vers le sommet, qui avait été interrompue après le départ de Guts de la troupe du Faucon (dans le volume 9). Ses principaux lieutenants ont eux aussi une présence et une force rares et font une nouvelle démonstration de leurs talents dans ce tome. Le lecteur se demande bien comment Guts pourra rivaliser avec eux et devenir le grain de sable qui viendra enrayer la mécanique bien huilée des plans de Griffith. Il ne peut également s’empêcher de s’interroger sur les objectifs réels du chef de la Troupe du Faucon, et d’attendre LA confrontation entre celui-ci et le guerrier noir.
Pour la suite immédiate, Kentaro Miura annonce déjà la couleur : une bataille encore plus gigantesque aura lieu sur les terres Kushanes et déterminera l’issue de la guerre. Pour Guts et ses compagnons, l’heure est au repos pendant leur voyage en mer. Que leur réserve l’auteur à l’avenir ?